Mostrando entradas con la etiqueta moda. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta moda. Mostrar todas las entradas

viernes, 29 de noviembre de 2019

2018 FW Prada Real Fantasies

aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa
2018 FW Prada Real Fantasies from OMA on Vimeo.

ART DIRECTION by AMO
Ippolito Pestellini Laparelli
Giacomo Ardesio
Giulio Margheri
Ivan Brozina
Joon Hyuk Ma
Mattia Inselvini
Martina Motta
PRODUCED by APRIL

lunes, 18 de diciembre de 2017

¿La moda es arte o es diseño?





por Javier Arroyuelo para revista de La Nacion

¿La moda es arte? Es la pregunta del millón, por la cantidad de veces que me la han hecho, con un tono ansioso que exige como respuesta un sí resonante. De allí que cuando replico que la moda es diseño sienta expandirse en el aire un rocío de desilusión. Y, sin embargo, el diseño tiene de larga data un prestigio propio que es un tanto brusco, por no decir grosero, desdeñar. Pero que la moda tiene su lugar entre las nobles disciplinas del diseño es una obviedad que registran (casi) todas las culturas. Para designar a lxs practicantes del oficio decimos diseñador/a de moda, y en inglés fashion designer, y estilista en italiano.
Pero hete aquí que el francés, idioma central en la materia, no posee un vocablo similar. Corresponde couturier. Que hoy parece poco, ya que se prefiere el más pomposo créateur o créatrice de mode y, en las casas de alto vuelo, nada menos que directeur artistique. Sospecho que, en gran parte, la discusión sobre el estatus de la moda -¿es o no es arte?- tiene su origen en esta carencia en el léxico francés de una palabra apropiada y de la reticencia a emplear la expresión designer de mode, cuando, por otra parte, la palabra design se aplica en Francia de manera corriente y elogiosa a muebles y objetos modernos y contemporáneos del más alto valor.


Diseño puro: del otoño invierno 2009/10 de Vivienne Westwood.
Pero la época, mercantil y triunfalista, quiere que Moda y Arte vayan de par. Y así, brillantes, vistosas, atrayentes, la burbuja del mundo de la Moda y la burbuja del mundo del Arte flotan a la par y se interpenetran dentro de la burbuja mayor del imperio del consumismo. (Desde ya que existen arte y moda por fuera de estos globos, que son o fueron llamadas alternatias, de vanguardia, off, indie o under, pero allí, en ese espacio abierto, las lindes son permeables y la historia es otra).
Las burbujas contienen todo lo que ha sido. Lo institucionalizado, entonces, lo que está en condiciones de ser aceptado y entendido como símbolo y esencia de su categoría, su materia, y de representarla toda entera, singular y genérico a la vez, el Guernica de Picasso, el tailleur de Chanel, el falo de Louise Bourgeois, la minifalda de Courrèges, las fotografías de Cindy Sherman, el tartán en todos sus estados de Vivienne Westwood. Lo que se exhibe y se despliega y entra por los ojos en las personas como imagen definitoria de lo que es Arte y de lo que es Moda. Lo cual no implica que la cosa en sí, la obra -y sus connotaciones- esté muerta, de muerte causada por institucionalización. Las obras cargadas de sentido no lo pierden, ni se pierden, en ningún contexto.
Hoy, toda esa actividad de diseminación y de penetración cultural se da ante todo en las redes y en los medios dentro de la gran burbuja, resplandeciente y ensordecedora, del entretenimiento. Y para una mayoría del público receptor solamente allí, Moda y Arte en un combo comercial, reducidas a producto, a facetas del lujo, con una clientela en común. En la vida real, mientras tanto, el rol de la moda, señal individual insertada en la experiencia diaria, es la de favorecer a quien la lleva, de ser un medio de diferenciación, de atractivo, de inserción o de autonomía -tú eliges.
El arte, por su lado, apunta a trascender esa misma experiencia cotidiana a la que la moda está íntimamente ligada. El arte enfrenta lo que los intercambios diarios tienden a omitir. La muerte, por ejemplo. Sería absurdo que, más allá de la función simbólica de la vestimenta de duelo, la moda pretendiera incorporar a la muerte como recurso estético y temático. Unx no se viste y sale y va a una fiesta o a una cena o incluso al trabajo con la intención de hacer que la gente piense en la muerte. Vestirnos es, al contrario, un modo de celebrar la vida.
La moda es diseño y ya. En el próximo capítulo de este folletín veremos por qué se insiste tanto en convertirla en objet d'art.

El autor ha colaborado en Vogue París, Vogue Italia, L'Uomo Vogue, Vanity Fair y Andy Warhol's Interview Magazine, entre otras revistas

miércoles, 12 de julio de 2017

Primo primo Mihi

THE WOODS
Otoño Invierno 2017
Ph. Caro Roca
She. Tere Basualdo
Mua. Consu Tapia
Thanks Lu Boloque (accesorios)

 

Sobre PRIMO MIHI

Clásico, de lineas limpias y frescas. Somos versátiles y funcionales, nos gusta diferenciarnos, y que lo nuestro dure. Menos Gente, Más Personas. En PRIMO MIHI creemos en la identidad propia y la resaltamos. Buscamos trascender los estereotipos típicos.
PRIMO MIHI surge como el sueño de dos amigas, de tener una marca que represente su visión, una mirada que se traduce en algo mas que ropa, en un estilo de vida. El nombre, surge del Latín Primero A Mi, hace referencia a que, en un mundo donde las apariencias importan mas que cualquier sentimiento, es esencial poder expresarnos, cuidarnos y respetarnos a nosotros mismos, para así­ poder entender y respetar a los demás.

Mercedes Alva y Pilar Santamarina, ambas Diseñadoras de Indumentaria, en 2012 crean PRIMO MIHI. Con un capital inicial mínimo y un fuerte en producción y confección de remeras, apostando al Algodón Pima como materia prima principal. En 2014 ganan un Fondo Semilla, y a través de ese empuje pueden establecerse en el mercado local, participando de Ferias Nacionales e Internacionales. El 2017 las encuentra con una tienda en Barrio Norte, Tienda Online y varios puntos de venta en el interior del país y Estados Unidos.

CASA PRIMO está en Uruguay 1292, Recoleta, Buenos Aires, Argentina.

Diseño, ecología y moda: Presentan bikini que limpia el mar


publicado
SDPNOTICIAS.COM
Este bikini puede absorber hasta 25 veces su propio peso, sin que esto resulte molesto para quien lo usa.
Este bikini puede absorber hasta 25 veces su propio peso, sin que esto resulte molesto para quien lo usa.
Foto propiedad de: Instagram
Ingenieros de la Universidad de California campus Riverside (UCR) y de Eray Carbajo, una firma de arquitectura y diseño, unieron su talento en este diseño.
Nada mejor que combinar el diseño, la tecnología, la ecología y la moda en una prenda que además de tener muchos beneficios, luce increíble.
La pieza que verás a continuación fue creada por ingenieros de la Universidad de California campus Riverside (UCR) y de Eray Carbajo, una firma de arquitectura y diseño, quienes conjugaron su talento en este bikini llamado “Sponge Suit”, el cual está impreso en 3D y tiene la finalidad de limpiar los océanos.
Mihri y Cengiz Ozkan, creadores de este traje de baño, revelaron que esta prenda fue pensada con la posibilidad de que en un futuro se pueda hacer menor el impacto provocado por derrames de petróleo y otros químicos dañinos como pesticidas, herbicidas y todos los desechos que van a parar a los océanos.
Fabricada con ácido poliláctico y poliéster alifático termoplástico biodegradable y bioactivo (obtenido de recursos renovables como el almidón de maíz), carbono, sacarosa caliente e injertos de algodón, este producto es orgánico, ligero, cómodo y flexible, perfecto para utilizar en el mar, y forma parte de la línea aRks’ Coral.
Independientemente de lo exótico que suene todo lo anterior, este bikini tiene un objetivo clave: absorber los desechos que se encuentran en el mar, sin afectar a quien lo porta. Su estructura repele el agua y al mismo tiempo es porosa, por lo que los filtros en la prenda almacenan los desechos (que permanecen separados de la piel), y evitan que vuelvan al agua.
Otro dato interesante de esta prenda, es que puede absorber hasta 25 veces su peso sin causar molestias o incomodidad al usuario. Y para liberar los desechos absorbidos en el mar, se calienta a mil grados centígrados y listo.  

viernes, 30 de diciembre de 2016

El color de Pantone 2017 del año es ...

El color de Pantone 2017 del año es ...

Estamos muy listo para decir adiós a 2016. Nosotros realmente no necesitamos más razones para emocionarse para el próximo año - pero Pantone está otorgando sobre nosotros su color del año 2017 . 

Redoble de tambores por favor. Sombra de la elección del próximo año es uno que ya existía en el universo de Pantone: El verde ha sido escogido como selección de la compañía centrada en el color de color del año.
FOTO: CORTESÍA DE PANTONE.
Pantone lo caracteriza como "un tono amarillo-verde fresca y sabrosa que evoca los primeros días de la primavera, cuando los verdes de la naturaleza revivir, restaurar y renovar." En un comunicado, Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute , dijo que "El verde estalla en 2017 para proporcionarnos la esperanza que anhelamos colectivamente por medio de un paisaje social y político complejo", y añadió que satisface un nuevo deseo de vuelva a conectar con la naturaleza. 

Para determinar qué tono se destacan como el color que define cada año, Pantone lleva a cabo un análisis de tendencias en diversos campos del diseño, además de examinar las tendencias socioeconómicas y los cambios en todo el mundo. El clima político es sólo uno de muchos factores Pantone mira a la hora de determinar el color del año - pero es un factor que se siente particularmente relevante dado el ambiente general de incertidumbre sobre nuestro futuro político. "El impacto del entorno político a escala global es uno que sin duda juega en la elección", Laurie Pressman, vicepresidente de Pantone Color Institute, dijo Refinery29.
FOTO: CORTESÍA DE PANTONE.
El tono elegido del año está destinado a ser una "foto de color de un momento particular en el tiempo" - así, el matiz de que se trate se convierte en una especie de microcosmos para el estado actual del mundo, dijo Pressman. 

Para 2017, Pantone ve un "anhelo de la comunidad, la unidad y tranquilidad", según Pressman. Conexiones de verdor a la vegetación pueden ser interpretados como simbólica, ya que las plantas vuelvan a crecer y se regeneran cada año después del invierno. Esta es la mensajería similar a la de de 2016 dos ganadores , cuarzo rosa y la serenidad. "Vemos la selección 2017 de verdor como una evolución natural del color de Pantone del año 2016," nos dijo. Mientras cuarzo rosa y la serenidad señalaron la necesidad de armonía en el caos, dice ella, verdor apunta a un deseo de conectar con nuestras raíces en la naturaleza, en un esfuerzo para reinventarnos - casi como hemos llegado a ser un poco más optimista desde el año pasado, quizás.
FOTO: CORTESÍA DE PANTONE.
El color del año no sólo se basa en lo que está ganando terreno en diversos ámbitos (como la moda, la belleza, tecnología, arquitectura, etc.), se basa también en un más nebulosa temperatura de comprobación de lo que está pasando en el mundo, y lo será tendencia siguiente.

Sin embargo, esto particularmente vibrante tono de verde no saltó precisamente a la vista en las pasarelas recientes. "Por lo general basados en amarillo cuando vemos de alto espíritu, tonos verdes como zonas verdes entran en juego, que ha sido en tiempos de rebelión, cuando las personas estaban haciendo movimientos audaces y mirando a las voces se han escuchado," señaló Pressman. Cuando el matiz surge en un contexto de la moda, es por lo general como un acento de color declaración de decisiones. Sin embargo, dado que "greens son neutrales de la naturaleza", como lo pone Pressman, esta paleta se ha visto un resurgimiento últimamente en las colecciones de flora de inspiración - a saber, los de Kenzo, Gucci, y Cynthia Rowley.
FOTO: CORTESÍA DE PANTONE.
No es una conexión inesperada entre vegetación y tendencias de la moda, sin embargo. Un deseo de pasar más tiempo al aire libre, para salir, y estar rodeado de naturaleza - si nos fijamos en nuestros armarios athleisure lleno, se obtendría más o menos la misma impresión. "El verde es un ejemplo perfecto de cómo athleisure sigue influyendo aún más la diferencia de afinidad entre la moda y ropa deportiva", dijo Pressman. Greens con base de color amarillo hacen aparecer en ropa deportiva, calzado, trajes de baño y con mayor frecuencia que en el prêt-à-porter. 

Ven febrero vamos a mantener un ojo hacia fuera para el número de marcas de moda pusieron la nota de Pantone para la caída '17.

lunes, 17 de febrero de 2014

Moises Nieto Moda otoño-Invierno 2014/2015



Moises Nieto
Moda otoño-Invierno 2014/2015


7’27’’ 

...
El oscuro café mancha el mármol del suelo, la cama de sábanas blancas está deshecha, el ascensor vacío sigue su camino recto de subida, la mayoría de las persianas son metálicas y están oxidadas, la mujer tiene prisa dentro de un coche que huele a tabaco; hace frio, siete y veintisiete. 
La ciudad, llena de fantasmales geometrías monocromáticas, nos define y nos cronometra. Sin consciencia, nos arrastra hacia una única dirección que coincide con la que elegimos nosotros sin sentimientos de influencia alguna; y cuyo reflejo vemos mientras esperamos al tráfico en un charco sucio que se agarra a una acera. 

Entre asfalto, el actual desarrollo occidental nos deriva al individualismo absoluto. Es una gran 
virtud de la historia, no cuando se transforma en ceguera: en una pérdida de solidaridad y en un egocentrismo recalcitrante. Los caminos de los individuos ya son líneas, líneas siempre inseguras que quieren ser confianza sin tocar la fe. Cada una sigue un camino independiente pero, sin proponerlo: llegar quedándote donde estás es el objetivo de todas ellas. 

Línea de colección 

Depuradas líneas casi masculinas pero con gran carga femenina. Hombros y siluetas relajadas, casi oversize, donde la forma simplemente se insinúa. Faldas y vestidos que se acortan por encima de la rodilla contrarrestando los recatados escotes. Sutiles aberturas,cuellos altos muy altos, caderas acentuadas. 

Tejidos y color 

Ausencia de color. Paleta monocromática que va desde el negro carboncillo, blanco puro, gris nieve y blanco orquídea rompiendo el lienzo con un estampado lineal. Rayas verticales hechas a mano alzada y un tartán que mezcla texturas, estampado y tejido. Un trabajo visual que parte de la línea como concepto inicial. 
Tejidos naturales con peso. Mezcla de lana y tweed con lúrex, Mikado, triple acetato y algodón 
que se aligeran con seda, gasa o encajes. Trabajo minucioso de aplicaciones de cristal y acetato que completan y dan valor añadido a prendas de dificultosa sencillez. 

Colaboraciones 
Éric Gallais: Con más de 20 años de experiencia profesional como diseñador de bolsos y accesorios, Gallais ha firmado colaboraciones con firmas y creadores de la talla de Yves Saint Laurent, Loewe, Hedi Slimane o Tom Ford. Esta temporada, su nombre se une al de Moisés Nieto, ambos valedores del Made in Spain, del trabajo artesanal y la perfección en la ejecución. 
La Oca Sombreros: Carmen Díaz es una artista que se dedica a la creación y elaboración de sombreros, joyas y accesorios de alta costura. Como Moisés Nieto, diseña todas las piezas que elabora de forma artesanal creando en su atelier diseños únicos; esto unido a la calidad de los materiales empleados, genera sobreros y tocados únicos y exclusivos



The dark stain of coffee on the marble floor, white linen bed is unmade, the empty elevator follows its path straight up, most of the shades are metallic and rusted, the woman is on a hurry inside of a car that smells like cigarettes; its cold, seven twenty seven. 

The city, filled with ghostly monochromatic geometries, defines and times us. Without consciousness drags us to an only path that matches with the one we choose without any sentimental influence, and whose reflection we see while waiting in traffic on a mud puddle grabbed to the sidewalk. 

Among asphalt, the actual western development guides us to an absolute individualism. It´s a great historical virtue, not when it becomes blindness: a loss of solidarity and a recalcitrant egocentrism. The paths of the individuals are already lines, insecure lines that want to be trusted without touching the faith. Each is an independent line but without suggesting it: to arrive staying where you are is the objective of all of them. 
Collection Silhouettes 
Refined almost masculine lines but with a great feminine load. Relaxed Shoulders and silhouettes, almost oversize, where the shape is simply insinuated. Skirts and dresses above the knee that counterbalance the demure necklines. Subtle openings, high very high necks and 
accentuated hips. 

Textures and Colors 
Absence of color. Monochromatic palette that ranges from charcoal black, pure white, snow gray and white orchid breaking the canvas with a linear print. Vertical freehand made stripes and a tartan that mixes textures, patterns and fabrics. A visual work that starts with the line as a concept. 
Natural fabrics with weight. Wool blend and Tweed Lurex, Mikado, triple acetate and cotton are lightened with silk, chiffon or lace. Meticulous job of glass and acetate applications that completes and adds value to the garments. 

Collaborations 

Éric Gallais: With over 20 years of professional experience as a designer of handbags and accessories, Gallais has signed partnerships with companies and artists like Yves Saint Laurent, Loewe, Hedi Slimane or Tom Ford. This season, his name is attached to Moisés Nieto, both supporters of Made in Spain, the craftsmanship and perfection in execution. 
La Oca Sombreros: Carmen Diaz is an artist dedicated to the creation and production of hats, 
jewelry and couture accessories. Like Moses Nieto she designs all the pieces made by artisans creating unique designs in her atelier, this combined with the quality of the materials employed the hats, and headdresses are unique and exclusive.



MOISÉS NIETO ( Úbeda, 25 de enero de 1984 )

Ganador del Premio L´oreal 2012


Su profesión y obra surgen de una amplia formación en el terreno artístico, resultó que el diseño era lo suyo. Diseño de mobiliario y Gráfica publicitaria fueron los inicios en su camino hacia el diseño textil. Estudió Indumentaria y Patronaje y finalizó en 2010 su licenciatura de Moda en IED Madrid.


En 2008, gana el concurso "Una Novia de Impresión" organizado por Canon España y Lorenzo Caprile. En 2009 tiene la oportunidad de poder trabajar mano a mano con Klaver van Engelen en la bienal de moda de Holanda y es finalista deTriumph Internacional Awards. A la vez es Asistente e ilustrador del deseñador Antonio Alvarado en sus últimas tres colecciones y diseñador para la firma Bimba y Lola.


En 2010, presenta su colección por primera vez en una pasarela, la andaluzaSouth 36.32N, colección que despierta el interés de la prensa y le abre las puertas para presentarse y ganar el prestigioso concurso dirigido por Franca Sozzani, My own show, organizado por el Instituto Europeo de Diseño.


Ese mismo año presenta colección por primera vez en El Ego de Cibeles Madrid Fashion week " Bautismo" O/I 2012 y por otro lado viaja a Milan para presentar "Raiz" donde es comisariado por el Grupo Valentino.


Actualmente sigue presentando colección en El Ego de Cibeles y ha desfilado en varias pasarela nacionales como South.36.32N, e internacionales comoPasarela Internacional por la Paz en Mexico o Museum Fashion Week en Portugal.

Agatha Ruiz de la Prada Color Prints


...




“ COLOR PRINTS ”

En el diseño de Agatha Ruiz de la Prada hay una constante que se mantiene intacta. Desde su primer desfile en el año 1980 el arte contemporáneo es la referencia básica, no sólo por la conceptualización de las ideas, fundamental en todas sus colecciones, sino porque ha sabido llevarlas al mundo del vestir a través de las formas, los materiales, el color y la utilización de sus ya clásicos iconos, siempre con ese juego de carencia/dotación de significado. Esto nos lleva directamente a la utilización del grafismo, que de manera casi omnipotente se aplica en todas las ramas de su diseño y la primera, por supuesto, es la estampación textil.
Esta temporada O-I 2014-15 trabajamos sobre la idea de los estampados como fuerza inspiradora de la colección. Recuperamos estampados clásicos de los 80, 90, 2000 hasta llegar a los nuevos desarrollos para el invierno de 2014. Topos, rayas, corazones, flores, estrellas, lazos, logos, arcoíris, nubes y marañas de trazos (lío) de todos los tamaños inundarán este año la pasarela.
El color como siempre es el protagonista inconfundible. La paleta es enorme. Desde los colores primarios a los secundarios y terciarios. Todos se mezclan entre sí creando una sensación de barroquismo minimalista mezclando esta amplia gama de color con elementos gráficos de gran sencillez y simplicidad, plasmados sobre una variada gama de tejidos como son: punto, felpa, neopreno, raso, popelín, impermeabilizados, crepe e incluso estampación sobre lentejuelas. 
El fucsia, color fetiche de la casa, permanece como hilo conductor en toda la colección. Desde las propias prendas hasta los divertidos complementos, como los zapatos trasparentes que toman el color de las medias y contrastan o se funden con las cuñas de charol rosa que le sirven de base. Los bolsos con ventanas trasparentes o las divertidas pelucas que han sido realizadas a mano por Free Style para Agatha Ruiz de la Prada.
Siluetas que piensan en una mujer cómoda y contemporánea. Leggings ceñidos contrastan con grandes abrigos oversize. Líneas rectas contra grandes curvas y círculos, evasés y capas juegan con todos los tamaños y largos posibles de prendas, creando un verdadero juego a la hora del vestir. Una combinatoria que hará que las mujeres Agatha disfruten este año más que nunca si cabe, largo, corto, amplio, ceñido o todo al mismo tiempo.

“Color Prints” es una colección que incita al juego, a la diversión, a la comodidad, al reciclaje de prendas, al pensamiento contemporáneo, en resumen, al ideario clásico que Agatha Ruiz de la Prada nos presenta temporada tras temporada desde sus inicios, destinada a una mujer absolutamente LIBRE.


Ágatha Ruíz de la Prada y Sentmenat (nacido el 22 de julio 1960)

Ágatha entró en la moda en 1981 con la colección de su mujer en Madrid . Ella abrió su primer estudio en la capital española y comenzó a participar en desfiles de moda en Madrid y Barcelona. Agatha fue un promotor de la "Movida Madrileña", una obra artística y la Revolución Cultural en los años 1980.
El éxito comercial llegó con su colaboración con El Corte Inglés .  Ella comenzó a ganar reconocimiento internacional por medio de su desfiles de moda en España, Francia, Italia, Colombia, EE.UU., Puerto Rico, Santo Domingo y exposiciones en Tokio, Nueva York, París, Moscú y Bucarest.
En 1991, Agatha licencia su marca, ampliando su línea para incluir los de los hombres, de mujeres y de la moda infantil, cerámica, juguetes, zapatos, ropa de cama y toallas, maquillaje y mucho más. Sus tiendas están ubicadas en Madrid, Barcelona, ​​París, Milán, Nueva York, Oporto y Mallorca y que está presente en más de 140 países de todo el mundo. Este año, en ocasión del 30 º aniversario de su primer desfile de moda, inaugura su Fundación.
Sus perfumes pertenecen a Puig empresa

lunes, 30 de diciembre de 2013

Peter Marino y Marc Jacobs chat sobre Diseño, Arquitectura y Moda



Peter Marino y Marc Jacobs chat sobre Diseño, Arquitectura y Moda

John Edwards Lecture 2013: Peter Marino in conversation with Marc Jacobs from The Architecture Foundation on Vimeo.
The 2013 edition of The AF’s annual headline event and trans-disciplinary dialogue presented New York-based architect Peter Marino in conversation with fashion designer Marc Jacobs. The event, which took place at Tate Modern’s Starr Auditorium, was chaired by Penny Martin, editor in chief, The Gentlewoman explored the territories of fashion and architecture and the space in which these two art forms interlink.

Further information: http://www.architecturefoundation.org.uk/programme/2009/the-john-edwards-lecture/john-edwards-lecture-2013-peter-marino-and-marc-jacobs
x
Moda visionarios Tom Ford , Gianfranco Ferre, y Gianni Versace todos comenzaron su diseño la educación en arquitectura. En palabras de Coco Chanel, "la moda es la arquitectura." Fue probablemente con esto en mente que la Fundación Arquitectura alojado es anual Conferencia John Edwards . El evento, que se celebró en el Auditorio de Starr de la Tate Modern, era una discusión entre el diseñador Marc Jacobs y el arquitecto Peter Marino , que han colaborado frecuentemente juntos en diseño al por menor.

La conversación, dirigida por Penny Martin (editor de The Gentlewoman) abarcó una serie de temas, pero se centró especialmente en la intersección de los campos de los dos participantes - campos cuyos límites parecen estar disolviéndose más y más cada año (véase también Frank Gehry o Zaha La incursión de Hadid en diseño de calzado o el vestido impreso en 3D que cautivó al mundo a principios de este año).

domingo, 15 de diciembre de 2013

Diseñador de moda Joseph Altuzarra comparte la arquitectura que lo inspira

Diseñador de moda Joseph Altuzarra comparte la arquitectura que lo inspira
por Raquel Laneri para Architzer

JOSEPH ALTUZARRA ES UN JURADO DE LOS PREMIOS ARCHITIZER A +. LOS PREMIOS A + CELEBRA MEJOR ARQUITECTURA, ESPACIOS DEL MUNDO, Y LOS PRODUCTOS. APRENDER MÁS .

Los diseñadores de moda han tomó mucho tiempo la inspiración de los arquitectos-y viceversa. Dúo italiano Dolce & Gabbana han minado las antiguas ruinas de Sicilia para un sinnúmero de colecciones, mientras que la larga relación de Miuccia Prada con OMA ha producido algunos de los más extraños, pista más estimulante y se vende experiencias en el pasado dos décadas de cambio y dar forma a la manera en que consumir y pensar en la moda.

Sin embargo, todavía estábamos sorprendidos al encontrarse con Joseph Altuzarra, uno de los jóvenes más excitantes diseñadores de la Ciudad de Nueva York, en casa de Architizer 2013 A + Gala de los Premios en mayo. Pero allí estaba, bebiendo champán y hablando de los edificios, incluyendo la estructura de hormigón Corbusier que alberga su fabricante jersey en Francia.
Corbusier Usine Claude et Duval, Saint-Dié, donde Altuzarra fabrica sus artículos jersey. Foto: Olivier Martin-Gambier 2005 © FLC / ADAGP


Pero José tiene un enfoque más sutil cuando tejiendo la arquitectura en sus diseños. "Yo t trata más de un estado de ánimo para mí ", el jugador de 30 años de edad, el diseñador nos dice durante una conversación telefónica reciente. " Creo que muchas veces ni siquiera necesita mirar algo como [el edificio me inspiro en], pero es casi como me imagino la clase de mujer que habita el espacio cuando estoy diseñando. "

La conexión es más profundo que eso. (¿Es de esperar nada menos de un arte-historia importante que creció junto a la parisina de arquitectura e icono retail Le Bon Marché?) En efecto, hechos a sus colecciones de cuero con rigor a medida, chaquetas de lona moldeadas, y el cuerpo-abrazando a va- va-Voom recortes revelar a alguien que sabe un poco acerca de la forma, la construcción, e incluso la ingeniería.
Joseph Altuzarra
"Le Bon Marché personifica en mi mente lo que una tienda de departamentos debe ser similar," dice a José de su icono de barrio. "Quiero decir que es increíblemente grande y épica y muy íntimo y tipo de personal y muy francés."


"En el diseño de moda, aquí hay un equilibrio entre la búsqueda de algo que realmente quieres decir, pero también hacerlas encajar dentro del contexto de la vida de las personas ", dice. "Eso es algo realmente interesante para mí, y creo que me pongo muy inspirado en la arquitectura por esa razón."

Aquí, Joseph comparte algunos de sus edificios favoritos, muestra cómo la arquitectura inspira sus colecciones, y nos dice por qué tiene una debilidad por el posmodernismo.
En la arquitectura y la moda
Joseph en una primavera / verano 2014 ajustada con el modelo Anna Ewers
Terminal 4 del aeropuerto de Madrid Barajas, obra de Rogers Stirk Harbour + Partners , es uno de los edificios favoritos de José: " Tiene estas superficies onduladas y techos-se siente como un lugar muy eficiente pero muy hermoso. "


"Parte de la razón por la que me siento atraído a la arquitectura se debe a que se trata de una gran cantidad de las mismas preocupaciones que las que trato en la ropa. Usted tiene una forma de arte que es muy cerebro izquierdo-derecho del cerebro y [que] ha de equilibrar la estética consideraciones con consideraciones pragmáticas más formales. Y usted está constantemente pensando en cómo lo que usted está diseñando es la interacción o que viven con el cuerpo humano ".
En la búsqueda de materiales, Brasil, y por qué ama posmodernismo
Innovadora mezcla de la arquitectura brasileña de los materiales ha inspirado los diseños de José. Carlos Brotke Educación CEPEMA Medio Ambiente y el Centro de Investigación en Sao Paulo (arriba) y estudio mk27 's V4 Casa ( foto: Nelson Kon)


"Me encanta mirar a los materiales que no son necesariamente específica de la moda o ropa específica, y hay algo muy inspirador sobre cómo los arquitectos se mezclan los materiales en los edificios.

"Cuando estuve en Brasil no eran estos edificios hechos con cemento muy crudo a futuro, pero que tenía todos estos toques de bronce. Había algo muy interesante acerca de la mezcla de algo como algo industrial y prima como el cemento y luego como ricos, tanto en colorear y "en brillo como el latón o el metal.
"De hecho, me tomé esa idea [de la yuxtaposición de materiales dispares] y traduje al colección de la primavera pasada. Trabajé con estos algodones muy duros, pero luego ellos bordado con cristales y oro [hilo]-elevar algo muy cotidiano y áspero y lo que es precioso. "
Sao Paulo (arriba), foto por Nelson Kon; Oscar Niemeyer Niterói Museo de Arte Contemporáneo de Río, foto © Alan Weintraub / Arcaid / Corbis
"Río de Janeiro y Sao Paulo son increíbles arquitectónicamente. En realidad es donde me convertí realmente interesado en la arquitectura posmoderna, que ha caído en desgracia. Aún hay algo acerca de la arquitectura posmoderna que me parece súper interesante. Creo que la arquitectura no es especialmente llamativo, ya que es emparejado con vegetación tropical que es discordante ".

En la arquitectura que lo mueve

Escuelas Nacionales de Artes de Cuba
"Otros sitios arquitectónicos [inspirarme a través de] su narrativa. ¿Alguna vez has oído hablar de las escuelas de arte abandonados en Cuba? Fueron construidos Creo que en los años 60 por un grupo de arquitectos en su mayoría italianos durante la Revolución Cubana. Pero el proyecto fue abandonado . Empezaron a ser superado por el bosque y la naturaleza circundante, pero siguieron funcionando como escuelas de arte. Mi última colección de primavera que acaba de aparecer fue inspirado por ellos. "
"¿Conoces a un montón de veces cuando estoy pensando específicamente en la narrativa, se trata más de un estado de ánimo. [En las escuelas cubanas '] de caso, fue este estado de ánimo de una especie de melancolía y un poco de tristeza y también un lirismo y una poesía. "

En la fábrica Corbusier de dónde saca su camiseta

Corbusier Usine Claude et Duval, Saint-Dié, donde Altuzarra fabrica sus artículos jersey. Foto: Olivier Martin-Gambier 2005 © FLC / ADAGP
"El dueño del padre era un amigo muy cercano de Le Corbusier, y construyó la fábrica para ellos. Es tan tan tan hermoso. Es muy colorido, todo en colores primarios cada piso es un código de colores es realmente increíble."
Photoshop por James Bartolacci